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2015年1月23日 星期五

芭蕾舞是一種表演舞蹈,發源於十五世紀,即義大利文藝復興時期的宮廷隨後它在法國和俄羅斯發展成表演舞蹈

芭蕾舞




女芭蕾舞演員穿的腳尖舞鞋
芭蕾舞是一種表演舞蹈,發源於十五世紀,即義大利文藝復興時期的宮廷。隨後它在法國和俄羅斯發展成表演舞蹈。它是一種廣泛流傳,且具高度技術性的舞蹈,擁有法文專屬術語。它在全球均具影響力,更定義了很多其他舞蹈的基礎技巧。芭蕾舞需要長時間學習,在世界各地都有學校教授,並用自身文化繼續把它發展下去。
芭蕾舞也可以是指一齣含編舞及音樂的芭蕾舞劇。知名例子如胡桃鉗,就是一齣最先由馬利烏斯·皮提帕及劉·伊凡諾夫編舞、柴可夫斯基作曲的兩幕芭蕾舞劇,而這些芭蕾舞劇都是由受過專業訓練的藝人編舞及演出。很多古典芭蕾舞劇都是由古典音樂伴奏,配以華麗的戲服及舞台佈景的。但是,一些由近代藝人如喬治巴蘭欽創作的舞劇已經沒有遵隨以上的慣例。
芭蕾是一種輕盈,舒緩,優雅的舞蹈。「芭蕾」起源於義大利,興盛於法國,其部分手勢可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。「芭蕾」為法語ballet」的譯音,它的詞源則是義大利語的「balletto」,為ballo的指小詞,ballo 意為「舞蹈」。
像西方戲劇一樣,早期芭蕾舞是禁止女性參與演出的,所有女角都由男演員反串。但後來此規例獲得放寬,再加上足尖的引入,使芭蕾舞壇成了女性的天下。十八世紀有人便將長裙改短,又將鞋跟去掉,改穿平底軟鞋。「浪漫芭蕾」時期,最有名的兩個舞劇是「仙女」和「吉賽兒」,這時出現了芭蕾硬鞋。柴可夫斯基是芭蕾舞劇音樂創作大師,他創作了「睡美人」、「胡桃鉗」和「天鵝湖」等偉大的古典芭蕾舞劇。

形式[編輯]

風格流派[編輯]

  • 早期芭蕾
  • 宮廷芭蕾
  • 古典芭蕾(跳古典芭蕾相比於浪漫芭蕾較容易,因為舞者只需要面帶微笑,熟記舞步和擁有自信。就算在跳錯舞步之下也必須擁有過人的自信不停下的跳下去)
  • 浪漫芭蕾(有爭議認為是古典芭蕾中的浪漫派)
  • 仿古芭蕾
  • 現代芭蕾[1]

技術流派[編輯]

芭蕾舞裙[編輯]

由幾層薄紗打褶重疊而成,

髮式[編輯]

古典芭蕾舞女一般把長頭髮挽成一個,這樣脖子和頭部的線條就會顯得更清晰,也能更做出方便旋轉的動作。

術語[編輯]

  1. 巴特芒 Battement 腿部動作的總稱
  2. 巴特芒湯糾 Battement tendu 擦地
  3. 得米普力也 Demi plie 半蹲
  4. 哥讓得普力也 Grand plie 大蹲
  5. 巴特芒湯糾日代 Battement tendu jeté 小踢腿
  6. 讓德項伯 Rond de jambe 用腿劃圈
  7. 阿太爾 A terre 地面
  8. 巴特芒風糾 Battement fondu 單腿蹲
  9. 古得彼也 Cou-de-pied 動作腳位於主力腳腳腕
  10. 巴特芒芙拉貝 Battement frappé 小彈腿
  11. 阿大糾 Adagio 慢板,多指控制類動作
  12. 昂萊爾 En l'air 空中
  13. 哥讓得巴特芒日代 Grand battement jeté 大踢腿
  14. 日了畏 Releve 上升,多指半腳尖,腳尖動作
  15. 昂法斯 En face 正面
  16. 埃撲魯芒 Epaulement 頭和肩的動作
  17. 克羅賽 Croise 交叉
  18. 埃法賽 Effacé 敝開
  19. 阿拉貝斯克 Arabesque 迎風展翅舞姿
  20. 埃嘎得(前) Ecarté 攀峰式
  21. 埃嘎得(後) Ecarté 俯望式
  22. 阿提丟 Attitude 鶴立式舞姿
  23. 湯里也 Temps lié 移重心

舞鞋——軟底鞋[編輯]

用柔軟的薄皮革或帆布製成,以較緊的包住腳為宜。男演員穿標準舞鞋,個別男演員在表演特定人物時也使用足尖鞋足尖鞋用以支撐女演員長久地站立和腳尖行走、跑和跳。足尖鞋是在普通舞鞋的鞋尖部分增墊棉花、松香或輕質木楦,並在鞋尖上用線縫衲多次而成。對提高和豐富女子舞蹈的技巧和表現力,塑造浪漫主義芭蕾的輕盈欲飛的仙女和精靈的形象有很大幫助。
芭蕾,欧洲古典舞蹈,由法语ballet音译而来。是一种起源于意大利的舞剧,用音乐、舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期,十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化,在不断革新中风靡世界。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地,故又称脚尖舞。其代表作品有《天鹅湖》、《仙女》、《胡桃夹子》等。
编辑摘要
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芭蕾舞是一门唯美典雅的艺术芭蕾舞是一门唯美典雅的艺术图册
起源于意大利 兴盛于法国 最初只是当众表演 并不具备剧场演出含义
早期禁止女性参演 规定放宽后引入足尖元素 使其成为女性的天下
舞鞋承受的荷重可以跟足球鞋相提并论 平均每三场表演就需要更换
中文名称:芭蕾舞 编辑英文名称:ballet
起 源:意大利代表作:天鹅湖、胡桃夹子

目录

芭蕾舞 - 简介 

芭蕾舞芭蕾舞图册
Ballet一词,源于古拉丁语ballo。最初,这个词只表示跳舞,或当众表演舞蹈,并不具有剧场演出的含义。芭蕾舞是一种轻盈,舒缓,优雅的舞蹈。“芭蕾”起源于意大利,兴盛于法国,其部分手势可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。“芭蕾”为法语“ballet”的译音,它的词源则是意大利语的“balletto”,为ballo的指小词,ballo 意为“舞蹈”。

芭蕾舞 - 内容 

芭蕾舞 
双人芭蕾舞
芭蕾,法语ballet的音译,意指:

1、一种舞台舞蹈形式,即欧洲古典舞蹈,通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后,芭蕾舞技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞,所以也有人称之为脚尖舞

2、舞剧,最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段,综合音乐哑剧舞台美术文学于一体,用以表现一个故事或一段情节戏剧艺术,称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后,以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地,芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品,尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。

3、在现代编导创作的舞蹈作品中,有相当一部分没有故事内容,也没有情节,编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈,或使两者相结合,用以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个音乐作品的理解等等,这些也称为芭蕾。其余,杂技中的头顶芭蕾、体育中的水下芭蕾、冰上芭蕾等等,则都属于借指。

芭蕾舞 - 起源 

芭蕾舞《天鹅之死》剧照图册
最初的芭蕾是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈,基于古希腊文明,用音乐、舞蹈诠释童话故事或神话故事,第一齣真正的芭蕾舞剧《皇后喜剧芭蕾》是依据《古希腊魔女传奇》故事编成。芭蕾在发展进程中形成了严格的规范和结构形式,其主要特征是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖舞。但在专业的舞蹈分类学来说,只要符合芭蕾舞的规范结构形式的舞蹈,哪怕女演员没使用足尖鞋,都可算作芭蕾舞。
作为一门综合性的舞台艺术,芭蕾发源于意大利民间,15世纪文艺复兴时期传入宫廷,因为芭蕾大多在宴会中表演,被称为“席间芭蕾”。17世纪义大利公主凯萨琳嫁给了法国国王亨利二世,芭蕾舞蹈也一起带到法国去,于是在法国宫廷形成一股潮流,风靡了整个法国。其手势最早可追溯至古埃及的祭祀舞蹈。法国宫廷芭蕾是在统一的主题下,把歌唱、舞蹈音乐、朗诵和戏剧情节融为一体的一种艺术形式。
《芭蕾艺术》 陈玉先《芭蕾艺术》 陈玉先图册

1661年,法国国王路易十四下令在巴黎创办了全世界第一所皇家舞蹈学校,并亲自参加演出,先后在26部大型芭蕾中担任主角,他十三岁第一次登台演出,三十岁时因体重过胖而退出舞台,他曾经演出希腊神话中的《太阳王》,被尊称为《太阳王》 。这个时期宫庭组织了三位艺术大师——吕利、莫里哀和博尚专门负责芭蕾艺术的创作和演出,同时确立了芭蕾的五个基本脚位,十二个手位和一些舞步,并以法文命名之,使芭蕾动作有了一套完整的动作体系。这体系的大部分一直沿用至今,各流派之间或有少许不同,例如,手位的顺序。
芭蕾芭蕾起源图册
像西方戏剧一样,早期芭蕾舞是禁止女性参与演出的,所有女角都由男演员反串。但后来此规例获得放宽,再加上足尖的引入,使芭蕾舞坛成了女性的天下。十八世纪有人便将长裙改短,又将鞋跟去掉,改穿平底软鞋。《浪漫芭蕾》时期,最有名的两个舞剧是《仙女》《吉赛儿》 ,这时出现了芭蕾硬鞋。柴可夫斯基是芭蕾歌剧创作大师,他创作了《睡美人》、《胡桃钳》和《天鹅湖》世界最伟大的古典芭蕾舞剧。

芭蕾艺术孕育在意大利,诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷,十八世纪在法国日臻完美,到十九世纪末期,在俄罗斯进入最繁荣的时期。芭蕾在近四百年的长期历史发展过程中,对世界各国影响很大,流传极广,至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式了。

芭蕾舞 - 舞曲 

天鹅湖

芭蕾舞 - 历史 

芭蕾舞芭蕾舞图册
芭蕾的历史,最早的起始可追溯自欧洲文洲文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷,及法国南部的贝根弟地方的宫廷里。每当结婚喜庆,接见外国元首,或其他大庆典,即表演这种舞蹈以示祝或助兴。芭蕾发展史上第一部比较完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年,当洛蕾娜(Lorraine)的玛格丽特小姐和凡尔赛(Versaills)的姚幼斯公爵结婚之时,这场芭蕾舞的音乐乐谱迄今仍保存,可算是最古老的芭蕾音乐。
芭蕾至路易十四皇朝(1643—1715)时代而臻极盛,路易十四本人是一位卓绝的舞蹈家,且喜爱芭蕾表演。1661年,路易十四创立了历史上第一所舞蹈学校——法国皇家舞蹈学院,专门教授舞艺。这所学校现在属于巴黎歌剧院。而沿用至今的手脚的五个位置和一些优美的芭蕾舞姿则是1700年在这里得到固定的。在皇家舞艺大师博尚(Beauchamp)和音乐家贝弗(Cambefort)及吕利(Lully)的大力提倡下,法国芭蕾舞在文化和音乐上的重要性大增。于是芭蕾变成了许多新的宫廷舞的来源;诸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈东舞曲(Rigaudon)等。在这些舞曲之中,最重要的要算小步舞曲(minuet),吕利于1653年,开始参加法国宫廷的芭蕾活动,而达到高潮。他当时正与莫利哀(Moliere)合力制作戏剧和芭蕾混成的所谓芭蕾喜剧(Comedie Ballet)。1760年发表的《小绅士》(Le Bourgeois Gentilhomme),可算是这类舞剧最著名的代表作。吕利又把芭蕾应用于他所作的歌剧中,他的两位后继者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮制。尤其是拉莫的作品,因夹杂有墨西哥、健康和中国等的外国情调而更富风趣。这当然和他的个性与背景有关。英国方面又创造一种特殊的芭蕾,名之曰“假面舞”(Masque)。到了17世纪后半期,维也纳已成为芭蕾演出的中心。然而当时欧洲芭蕾舞正处在“传统”与“革新”的争论,“严格”与“抒情”间的争论,“纯粹舞艺”与“标题舞艺”的争论,以及“芭蕾”与“近代舞”间的争论中。这些观念在20世纪的今天,多多少少还有它的余波,时而争论不休。
从1789年开始,出现了《关不住的女儿》等一批早期(又称前浪漫时期)芭蕾舞剧的代表作。而到了19世纪,先后在巴黎出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代,推出了以《仙女》(1832)、《吉赛尔》(1841)和《葛蓓莉娅》(1870)为代表的传世之作,然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时期,留下了以《睡美人》(1890)、《胡桃夹子》(1892)和《天鹅湖》(1895)这“三大舞剧”为首的一大批经典剧目,从而促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的观念。这种观念直到20世纪先后诞生出“现代芭蕾”和“当代芭蕾”之后,尤其是舞蹈开始走出“非舞蹈”的误区,竭力回归动作本体,以美籍俄国芭蕾大师乔治?巴兰钦(1904—1983)为首的“纯芭蕾”(即非舞剧式的芭蕾作品,又称“新古典芭蕾”)开始占领主导地位以来,才结束了戏剧芭蕾一统天下的局面。世所公认的一流古典芭蕾舞团有七个:前苏联的基洛夫芭蕾舞团和莫斯科大剧院芭蕾舞团,美国的纽约市芭蕾舞团美国芭蕾舞剧院,英国的皇家芭蕾舞团,法国巴黎歌剧院芭蕾舞团和丹麦皇家芭蕾舞团。当代芭蕾呈现出空前的普及和繁荣,代表性人物和团体为捷克人伊日·基里安(1947— )和他的荷兰舞蹈剧院以及美国人威廉?福赛特(1949— )和他的德国法兰克福芭蕾舞团。

芭蕾舞 - 发展过程 

芭蕾舞《天鹅湖》剧照图册
芭蕾作为一门舞台艺术,孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动,意大利语名为ballare。这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下,具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演,由专业的舞蹈教师设计,国王贵族担任演员,女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央,观众则围绕在大厅周围观看。因为演员戴皮制面具标志不同角色,故又称假面芭蕾。

1661年,酷爱舞蹈的路易十四日益发胖而不得不停止了自己的“太阳神”舞蹈生涯,转而下令在巴黎建立皇家舞蹈学院,由宫廷出资培养职业舞蹈家。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变,引起了舞蹈技术和审美观点的变化,演员站立的姿势越来越外开,由此正式确定了脚的5个基本位置,这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。因为此后通用的多数芭蕾舞姿态都是在法国皇家舞蹈学院诞生,法语也就成为了芭蕾舞界的通用语言。

这个时期的芭蕾是从属于歌剧的,宫廷作曲家简·巴普蒂斯塔·吕利(Jean Baptiste Lully)在歌剧中加入芭蕾场面,实际上是一连串舞蹈表演,剧情反而显得无关紧要,这时称为歌唱芭蕾或幕间芭蕾。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师简·乔治·诺韦尔(Jean Georges Noverre)是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了“情节芭蕾”的主张,强调舞蹈不只是形体的技巧,而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮,在他和其他许多演员、编导的持续努力下,芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革,这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离,形成一门独立的剧场艺术。

在芭蕾发展史上,主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为,芭蕾是“纯粹的舞蹈”,16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导贝尔焦约索(后改名为博洛耶)认为芭蕾是“几个人在一起跳舞的几何图案组合”。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美,几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节,往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前,这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是“戏剧性舞蹈”,简·乔治·诺韦尔的“情节芭蕾”理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中,舞蹈要表现戏剧性内容,“情节和舞蹈设计要保持统一,有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题,和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消”,舞剧中“不仅是舞蹈技术光辉夺目,更须通过戏剧性表现,从情绪方面感动观众”。上述两种主要观点至今仍在起作用,不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品,也有的编导热衷于无情节芭蕾,注重形式美,两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的,并作为保留剧目经常上演。20世纪以来,各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显,出现了许多不同风格的作品。

创作一部芭蕾作品,编导是关键人物,他根据文学剧本(或一个故事、一首诗、一部音乐作品)构思出舞剧结构或舞蹈结构,再由演员来体现。编导和演员都必须掌握芭蕾语言(或芭蕾语汇)——芭蕾技术技巧,以及运用芭蕾语言表现特定内容或情绪的能力,编导应该深谙它们长于表现什么,不能表现什么;而演员则应该训练有素,能适应并创造性地体现编导的构思,只有具备这些基本条件,芭蕾创作才能进行和完成。芭蕾结构形式有:独舞双人舞、三人舞、四人舞、群舞等,编导运用古典舞、性格舞(舞台化的民族舞蹈和民间舞蹈)、现代舞等,按上述形式可以编出多幕芭蕾(分场或不分场,如《天鹅湖》)、独幕芭蕾(如《仙女们》)、芭蕾小品(如《天鹅之死》)等。芭蕾的这种结构形式在19世纪后期发展到高度规范化和程式化,以致影响和限制了芭蕾的发展。在20世纪编导创作的大量芭蕾作品中,这些规范和程式已被大大突破,不断出现新的探索和创造。

芭蕾舞 - 形式 

芭蕾舞 - 风格流派 

早期芭蕾
宫廷芭蕾
古典芭蕾
浪漫芭蕾(有争议认为是古典芭蕾中的浪漫派)
仿古芭蕾
现代芭蕾

芭蕾舞 - 技术流派 

意大利派芭蕾
法国派芭蕾
英国派芭蕾
丹麦派芭蕾有长短之分。短裙或薄纱向四周伸展的裙多出现在古典芭蕾,如《天鹅湖》中天鹅的服饰。长裙则多出现在浪漫芭蕾,如《仙凡之恋》之中的仙女。
俄国派芭蕾
美国派芭蕾

芭蕾舞 - 代表介绍 

芭蕾舞《胡桃夹子》剧照图册
宴会芭蕾
芭蕾出现于15~16世纪文艺复兴全盛时期的意大利,艺术家极力模仿古希腊的艺术风格。最早的芭蕾表演是在宫廷宴会上进行的,1489年在意大利的一个小城里,为庆祝米兰公爵和西班牙阿拉贡公主伊达贝尔的婚礼,演出了《奥菲士》。当时的表演形式与我们今天所见到的芭蕾演出绝然不同,它的每一段表演大致都与上菜联系在一起,比如模拟狩猎的表演开始以后就吃野猪肉;海洋河流神灵出场开始吃鱼。然后,许多神话人物上场献上许多菜肴和水果,最后客人们也都参加到热闹狂欢的表演中去。这是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式,可以说是芭蕾的雏形,后人称它为“宴会芭蕾”。

宫廷芭蕾
1547年,意大利公主凯瑟琳·德·梅迪西(Catherine de Medici)嫁给法国国王亨利二世时,正式引入法国宫廷。1581年,在亨利三世露易丝王后的妹妹——玛格丽特的结婚庆典上演出了《王后的喜剧芭蕾》。当时没有舞台,观众坐在三面墙壁的两层楼廊里。国王和显贵们坐在坛台上,表演则在大厅的地板上进行。编导者博若耶就是受聘于法国的意大利人。内容表现女妖西尔瑟如何征服了阿波罗,但不得不向法兰西国王陛下屈服。表演是戏剧、音乐、舞蹈、朗诵、杂技的混合体。这是历史上第一个大型芭蕾舞剧,也是现代芭蕾舞剧的雏形。路易十四时期(1643~1715),法国芭蕾发展到它的鼎盛时期,路易十四本人喜爱舞蹈,并受过良好训练。15岁即参加宫廷芭蕾《卡珊德拉》的演出,扮演阿波罗神。

情节芭蕾
18世纪欧洲启蒙运动深刻地影响着法国芭蕾的发展。它的革新思想表现在反对把芭蕾当作供贵族消遣的装饰品,要使芭蕾象戏剧一样,表现现实生活,提倡芭蕾要有社会内容和教育意义,这就是“情节芭蕾”产生的时代背景。诺维尔代表了欧洲芭蕾革新的主流,集中体现了启蒙运动的民主主义精神,他在《舞蹈和舞剧书信集》中,提出了他对芭蕾的革新主张。诺维尔的学生——让·多贝瓦尔所创作的舞剧《无益的谨慎》(又称《被关住的女儿》)至今还在上演,成为当代各大芭蕾舞团的保留剧目。

浪漫主义芭蕾浪漫主义芭蕾是芭蕾发展史上“黄金时代”,在舞蹈技巧,编导艺术以及演出形式方面都经历了一个灿烂辉煌的阶段《仙女》、《吉赛尔》、《爱斯梅拉尔达》、《海盗》等舞剧的产生,造就了一批芭蕾人才,如佩罗、布农维尔、塔尼奥尼、艾尔斯勒等。这个时期的芭蕾特点概括如下:
 1、内容和题材的变化。超凡脱俗的仙女、幽灵代替了神话传说和古代英雄故事中的人物。反映一种对现实不满和失望的情绪,一种追求超越尘世的对另一世界的情趣,或以死亡摆脱对现实的失望,或以一种不切实际的追求代替对生活的愿望。其中代表作有《仙女》(1832)和《吉赛尔》(1841)。《吉赛尔》汇集法兰西风格,成为浪漫主义芭蕾的顶峰,此后逐渐出现了浪漫主义和现实主义相结合的现象。

2、舞蹈技巧和表演都有了重大发展,脚尖舞技巧成为女舞蹈家表现手段的一个重要因素出现,男子舞蹈技巧也有了进一步的提高。

3、在演出形式上,采用了瓦斯灯的照明和大幕,改革了芭蕾服装和舞鞋,产生一种诗意轻盈的风格。浪漫主义芭蕾的黄金时代极其短暂,从19世纪30——40年代,仅仅10多年就出现停滞枯萎的局面。从19世纪下半叶开始,欧洲芭蕾的中心逐渐移至俄国

俄罗斯芭蕾
17世纪下半叶,俄国使臣在西欧见到了芭蕾演出,颇为欣赏,便将其引入俄国。由于芭蕾没有台词,且兼有音乐、舞蹈和哑剧成分,十分通俗易懂,很快就在俄国传播开了。俄罗斯本国的第一部舞剧《奥菲士在欧里狄克》,是由一名流亡法国的苏格兰军官尼科拉·利玛编排的,于1673年上演。舞剧通过表现史诗《奥菲士》的一些情节,歌颂庇护音乐舞蹈艺术的执政沙皇阿列克谢·米哈伊洛维奇,深受沙皇的喜爱。 到了彼得大帝执政时期,社交活动受到大力提倡,全国上下积极鼓励举办各种戏剧演出和舞会,皇帝还于1718年颁布了关于举办大舞会的命令。在彼得大帝的倡导下,贵族们纷纷从国外聘请舞蹈教师,努力学习西欧流行的社交舞蹈。到了彼得执政末年,俄国贵族社会已经完全掌握了欧洲的舞会舞蹈,并把这种舞蹈作为时尚潮流的标志。[1]
1738年,俄国成立了第一所舞蹈学校——瓦冈诺娃舞蹈学校。19世纪下半叶欧洲浪漫主义芭蕾走向衰落,复兴芭蕾的使命历史地落在俄国肩上。从40年代起,外国舞蹈家们频繁访俄。塔利奥尼父女、佩罗、圣·莱昂等人的表演和编导活动,特别是布农维尔的学生约翰逊(在圣彼得堡)和布拉斯(在莫斯科)的教学活动,向俄国舞蹈界传授了法兰西、意大利两大舞派的精华,并逐渐形成了新的学派——俄罗斯舞派。在剧目建设上,玛蒂帕和伊凡诺夫起了决定性的作用。柴可夫斯基通过《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》实现了舞剧音乐的革新,使音乐成为舞剧中塑造形象、叙述事件的基础,启发和丰富了舞剧编导的舞蹈交响化的思想。《天鹅湖》第二幕达到了舞蹈诗的高峰,被奉为交响化舞蹈的范例。以后又有格拉祖诺夫写出的《雷蒙达》(1898)、《四季》(1900),这些作品在继承浪漫主义芭蕾传统的同时体现了俄国现实主义传统。
俄国芭蕾吸收了意大利、法国、丹麦这三大芭蕾学派的精华,在本国民族文学艺术传统的基础上,结合俄罗斯演员的形体特点,创立了俄罗斯芭蕾教学体系。芭蕾艺术在俄罗斯逐步走向成熟,经过几代人的不懈努力,俄国芭蕾终于于19世纪下半叶超过法国,一跃成为世界古典芭蕾王者。
20世纪初,俄国芭蕾已在世界芭蕾舞坛中占据主导地位,拥有自己的保留剧目,表演风格和教学体系,也涌现了一批编导和表演人才。此后,一批俄国芭蕾舞界的年轻人要求革新、探索新的表演手段和发展道路。戈尔斯基和福金就是他们的带头人。福金的革新思想不可能在帝国剧院内实现,他的主要作品都是在国外为佳吉列夫芭蕾团排练上演的。佳吉列夫从1909年起连续3年组织俄罗斯演出季,并于1913年成立以蒙特卡罗为基地的永久性剧团——“佳吉列夫俄罗斯芭蕾团”,在欧美各地巡回演出,影响巨大,把由俄国保存的古典传统剧目送回欧洲,促成欧洲芭蕾的复兴。该团解散后,它的成员流散欧美各国,利法尔在法国,德瓦卢娃在英国巴兰钦和福金在美国,对各国芭蕾复兴或创建做出了重要贡献。

芭蕾舞 - 服饰和舞鞋 

芭蕾舞裙

女芭蕾舞演员穿的脚尖舞鞋女芭蕾舞演员穿的脚尖舞鞋图册
由几层薄纱打褶重叠而成,

发式

 古典芭蕾的女演员一般把长头发挽成一个髻,这样脖子和头部的线条就会显得更清晰。 

芭蕾舞鞋

 舞鞋——软底鞋
用柔软的薄皮革或帆布制成,以较紧的包住脚为宜。男演员穿标准舞鞋,个别男演员在表演特定人物时也使用脚尖舞鞋。脚尖舞鞋用以支撑女演员长久地站立和脚尖行走、跑和跳。脚尖舞鞋是在普通舞鞋的鞋尖部分增垫棉花、松香或轻质木楦,并在鞋尖上用线缝衲多次而成。对提高和丰富女子舞蹈的技巧和表现力,塑造浪漫主义芭蕾的轻盈欲飞的仙女和精灵的形象有很大帮助。
芭蕾舞鞋
芭蕾舞 
芭蕾舞
用脚尖站立的芭蕾舞女演员。在观众看来,用脚尖跳舞轻松愉快。女演员脚上那粉红色的芭蕾舞鞋是那么优美高雅,让人想起这是一项崇高的艺术。但是,实际上,用脚尖跳舞十分困难。那些献身芭蕾舞艺术,探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。如果揭开芭蕾舞鞋的秘密,似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。

芭蕾舞鞋能够承受的巨大的荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论,其关键在鞋尖。鞋尖不仅柔软,而且具有相当大的安全系数。即使跳起时鞋尖断裂,女演员保证不会残废。
芭蕾舞鞋鞋尖的最大奥秘在于使女演员得以用脚尖跳舞的“鞋盒”。“鞋盒”藏在鞋尖里。“鞋盒”实际上是一种硬套,套住脚趾和一部分脚面。“鞋盒”不用木头塑料软木等材料,而由6层最普通的麻袋布或其它纺织品粘合而成。鞋尖手工缝制,然后连同“鞋盒”里面朝外同鞋的其余部分缝到一起。之后,鞋匠把鞋尖翻回来,用小锤把“鞋盒”弄平顺。当没有不平的地方后,让鞋在硬物上直立起来,看看能否保持平衡。最后,让舞鞋在摄氏50度的条件下晾干,存放在室温下。

一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾:上场演出2-3次。“格里什科”舞鞋的记录是大剧院的独舞女演员娜杰日达·格拉乔跟基特里合作,在芭蕾舞剧《东·基霍特》里跳了9场。

为了适应不同高度的脚面,芭蕾舞鞋总共有3种型号:“瓦加诺瓦”、“埃利塔”、“富埃捷”。每种型号又分17种尺寸。此外,每种尺寸又有5种肥瘦情况。任何一个女演员可以从厚薄、大小、肥瘦不同的255种鞋中,挑选适合自己的理想的鞋。尽管如此,为了让鞋更适合自己的脚,每个女演员各有高招:一些人用小锤敲打鞋,另一些人用门挤压鞋,还有一些人用五花八门的东西垫进“鞋盒”里……很多舞蹈者还在鞋上扑点扮,这样足尖鞋的缎面就不会在舞台灯光下闪闪发亮。俄罗斯芭蕾舞女明星叶卡捷琳娜·马克西莫瓦娅承认,在没有足够选择的年代里,每推出新剧目,她都要花费整整一天时间来让脚适应舞鞋。

至于男演员,穿所谓的软鞋——在外行看来跟普通的布鞋差不多。其生产工艺跟女演员的当然无法相比,但也有自己的精致之处。软鞋分两种:整鞋底和分鞋底。分鞋底由两部分组成:鞋前部和脚后跟。正是鞋前部让男演员的脚穿在里面舒舒服服,自由自在。

服装

芭蕾舞《红色娘子军》剧照图册
芭蕾舞演出用服装。包括男演员的紧身衫、裤,女演员的芭蕾舞裙、连袜裤及芭蕾舞鞋。 15~16世纪,初期的芭蕾舞服装崇尚豪华。17世纪,男演员穿的有金属丝箍的“拖涅利”短裙、女演员穿的“鲁尼耶”鲸骨裙,都显得笨重。为充分展现芭蕾舞的舞姿和技巧,历史上曾对芭蕾舞服装进行了几次革新,逐步使之完善。20世纪以来,现代芭蕾舞剧多采用艺术化的生活服装
现在男式芭蕾舞紧身衫主要是芭蕾艺术形式的规范化产物,是慢慢衍变过来的,是俗成的东西,所以并不代表现在的紧身衫就有绝对的合理性(现代派的舞蹈家就常常批评芭蕾舞服装和舞蹈是不合理的,完全违反自然法则的,是不美的舞蹈),其目的是最大程度展现人体线条轮廓,展现人体的形体美,另外也是方便做较大肢体动作的运动。

芭蕾舞 - 舞蹈术语 

芭蕾舞芭蕾舞肢体语言图册
一、舞蹈形象: 以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象,技人体的姿态造型,步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。具有可视性、流动性的审美性的特点,是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。
二、舞蹈表情:根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点,经过提炼艺术加工,用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。除了与动作相协调的面部表情外,有节奏的动作、姿态、手势和造型,亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情

三、舞蹈动作:舞蹈艺术的基本表现手段。源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。主要包括:
1、单一动作,即以人体某一部位为主动,其他部位静止或随动的动作;
2、复合动作,指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作;
3、动作组合。一般指以训练舞蹈技巧为主要目的,有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速 度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿跳跃、旋转等等。

四、民间舞(folk dance):泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约,即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。不同地区、国家、民族的民间舞蹈,由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响,以及受表演者的年龄、性别等生理条件所限,在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点,历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创业不可或缺的素材来源。

五、社交舞(social dance):亦称舞会舞(ballroom dance)泛指欧洲文艺复兴以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。名称和所用舞曲,以及基本舞步、队形、风格和舞蹈表演顺序多为因循意大利、英国、法国、德国西班牙等国民间舞蹈的特点
布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈兹、连德勒、波尔卡、马祖卡、加洛普、华尔兹曾先后风靡过欧洲各国宫廷。 法国大革命以后,宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要,大众化的公共舞厅在欧洲大陆应运而生,并逐渐取代宫廷舞会成为社交活动中的主要场所。 舞步简单易学,形式自由,便于即兴发挥和宣泄情感的舞蹈在公共舞厅备受青睐,社交舞因而很快融入了平民阶层的文化生活。

六、芭蕾(ballet):法语音译。特指有一定动作规范、技巧、和审美要求的欧洲古典形式;或泛指以人体动作、姿态表现戏剧内容推动情节发展,以及表现一定的情绪、意境、心理状态和行为的舞蹈表现形式。前者有时译作“舞剧”。ballet一词源于古代拉丁语 ballo,原意为当众跳一定样式的舞蹈,并无剧场演出的含义。芭蕾作为舞台艺术形式,始见于文艺复兴时期意大利宫廷盛大的宴饮娱乐活动之中。后来由佛罗伦萨公主——美第奇的凯瑟琳将这一舞蹈形式带入了法国宫廷.1581年,法国宫廷表演的第一部芭蕾《王后的喜剧芭蕾》在欧洲引起极大反响,各国宫廷纷纷效仿,并把芭蕾视为宫廷娱乐的典范,1661年法国国王路易十四在巴黎创建了皇家舞蹈学院之后,又于1669年授权在巴黎成立了歌剧院,从此结束了“宫廷芭蕾”的黄金时代。芭蕾进入剧场之后,先后经历了“喜剧芭蕾”和“歌唱芭蕾”阶段。18世纪中叶,“情节舞”及相关的理论日趋完善,芭蕾才彻底改变了依附于戏剧和歌剧,仅仅在幕间表演插舞的地位,发展为用舞蹈和音乐推动剧情发展,具有严肃社会意义的剧场艺术形式。19世纪初是芭蕾发展史的又一个黄金时代,在内容与题材技巧与表演及演出形式等方面均有重大突破。脚尖舞技巧逐渐成为女演员的主要表演手段,并积累了一套系统、科学训练方法。受浪漫主义文化思潮影响,欧洲各国芭蕾的发展更加注重民族精神和气质的表现,形成了意大利学派、法国学派、俄罗斯学派和丹麦学派等不同的风格的芭蕾学派。20世纪以来,俄罗斯取代意大利和法国成为传统芭蕾发展的中心。而在欧美各国的舞台上,不同风格和不同流派的现代芭蕾逐渐显露出蓬勃的发展势头,从而为芭蕾艺术的发展注入了新的活力。

七、情节舞:芭蕾术语。原意指结构形势相对稳定,并与剧情发展有直接联系的舞蹈。浪漫主义时期,情节舞的基本结构形势是:“出场”、慢板双人舞、男女独舞和全体演员参加的的终场群舞。《雷蒙达》《天鹅湖》《睡美人》《舞姬》中的大型双人舞和《爱斯梅拉达》中的舞会场面都是比较典型的情节舞。20世纪以来,情节舞作为与娱乐性舞蹈相对立的概念,泛指一切表达人物心理情绪变化、推动剧情发展的舞蹈。

八、舞剧:(dance-drama)以舞蹈为主要表现手段,并综合音乐、美术戏剧、文学等艺术形式,表现特定的戏剧内容、意境、人物形象、情绪、心理状态和行为,以及推动情节发展的舞台表演艺术。因剧情需要或时代风貌、人物形象不同,舞剧可选用或综合运用古典舞、民间舞、性格舞、现代舞、宫廷舞、或舞会舞等表演形式,并有编排有序的独舞、双人舞、三人舞、群舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞等舞蹈样式组成。中国舞剧历史悠久,发源于奴隶社会的宫廷乐舞。欧洲舞剧与“芭蕾舞剧”在概念上没有明确的界说。

九、群舞:(group dance)舞蹈样式之一。泛指源自民间舞蹈“集体舞”的舞台表演形式,即三人以上、人数不等的多人舞。群舞的画面、构图多变,要求表演者动作整齐,风格统一,配合默契,因而具有丰富的艺术表现力。(1)有独立的内容和主题,情节完整的舞蹈作品。中国舞蹈《摸螺》 《草原女民兵》《葡萄架下》,俄罗斯《小白桦树》,朝鲜舞蹈《在泉边》《摘苹果的时候》,美国现代舞《意象》等均为群舞的成功之作。(2)在大型舞作品当中,有时因画面、构图的需要,或为突出主要人物形象和强化戏剧效果,群舞中常常穿插一些独舞,双人舞、三人舞的段落,如《仙女们》 《天鹅湖》等芭蕾场面中的独舞和双人舞。(3)舞剧和大型舞蹈中为烘托全局气氛而编排的群舞,如中国舞剧《红色娘子军》中的“女战士舞”、“斗笠舞”,俄罗斯芭蕾《天鹅湖》中的天鹅舞等等。

芭蕾舞 - 中国芭蕾舞的历程 

芭蕾舞芭蕾舞图册
芭蕾在中国的传播与发展几乎晚了3个多世纪。不过,起步虽晚,却是飞跃前进。20世纪初,曾有外国的芭蕾舞团来中国演出,但规模有限。此后,陆续有俄侨来中国开办业余私立芭蕾舞学校,以上海天津哈尔滨等地较有影响——对中国的芭蕾启蒙教育有积极作用。毋庸置疑,芭蕾舞剧在中国的真正兴起和发展,也是在中华人民共和国成立之后,这与中国政府对一切具有世界意义的优秀文化艺术都采取积极吸纳、支持的基本方针具有密切的关系。

最初,对中国芭蕾具有影响力的是俄罗斯学派。从54年2月第一位苏联专家奥·阿·伊莉娜(OA Yealina)应邀来京开办第一期“教师训练班”起,到58年中国上演第一部经典芭蕾舞剧《天鹅湖》,中国芭蕾实现了初创期的神速“3级跳”。在此期间,谙熟芭蕾艺术的戴爱莲也发挥了重要作用。

第一期“教师训练班”的学员(大都接受过一定的芭蕾训练),以半年的时间,奇迹般的完成了苏联舞蹈学校1~6年级的教学大纲,通过严格的考试全部合格。他(她)们成为同年创建的北京舞蹈学校,芭蕾专科的教学骨干。此后,在实践中不断提高,成长为真正的芭蕾教育家——培养出一批又一批优秀人才。实现“3级跳”的重要举措是边训练,边实践演出。这一时期常有著名苏联芭蕾艺术家来华演出,精湛的表演吸引了众多的观众,中国人逐渐熟悉、喜爱起这门艺术。

1957年在查普林的指导下中国首次完整的上演了一部芭蕾舞剧——《无益的谨慎》(La fille mal gardee),它具有现实主义的风格,适宜于当时中国芭蕾舞演员的实际水平,通过演出使队伍得到了提高。

1958年10月在古谢夫的指导下,北京舞蹈学校集中全力,成功的上演了世界著名经典芭蕾舞剧《天鹅湖》全剧(奥杰塔扮演者白淑湘),引起国内外强烈反响。通过严格排练,高速度地造就了一支具有多方面人才的芭蕾舞剧队伍。如今,《天鹅湖》已在中国“落户”——成为对观众最有号召力的芭蕾剧目。59年底,北京舞蹈学校实验芭蕾舞剧团成立,这是中国有史以来第一个专业芭蕾舞团。次年,上海成立了与北京建制相同的舞蹈学校,也承担起培养专业芭蕾人才的任务,从此北、南遥相呼应,努力开拓芭蕾事业的新局面。继《天鹅湖》之后,1959、1960年,在古谢夫的指导下,又陆续成功地上演了《海侠》(Lecorsaire)、《吉赛尔》(Giselle)年轻的中国芭蕾队伍承担这两部风格不同的著名芭蕾舞剧已显得比较从容。这一时期中国派出了蒋祖慧(1934~)、王锡贤(1933~)等先后到莫斯科国立戏剧学院舞剧编导系进修,成绩都很优异。回国后,蒋祖慧推出了她的毕业作《西班牙女儿》(根据文艺复兴时期欧洲著名作家洛贝·德维加的著名诗剧《羊泉村》改编),1961年天津歌舞剧院首演;王锡贤在北京指导上演了他的毕业作《泪泉》 (The fountain of bakhchi saray,又叫巴赫奇萨拉伊水泉。根据俄罗斯诗人普希金的著名长诗改编),北京舞蹈学校实验芭蕾舞剧团首演。

1963年,中央歌剧舞剧院成立,学校附属的芭蕾舞剧团结束了其实验阶段,归属了国家级剧院。不久,蒋祖慧又执导了一部著名芭蕾舞剧——《巴黎圣母院》(Nortre-dame deraris)(根据法国著名作家雨果的同名小说改编),中央歌剧舞剧院首演。……短短10年间,中国的编导、演员基本上已可独立驾驭经典芭蕾舞剧的创作、排练、舞台演出。

从1964年起,中国开始了本土芭蕾舞剧的创作实践。事实上第一代芭蕾舞剧编导,大都是从学习民族舞蹈转向芭蕾专业的,他(她)们的民族文化背景,无疑有助于芭蕾舞剧民族化的探索。大型中国芭蕾舞剧《红色娘子军》的上演,虽不是严格意义的“首开记录”,(在此之前,已有过不同类型、不同规模、不同成效的芭蕾民族化探索)却可以说是第一部最成功的大型中国芭蕾舞剧——从内容到形式都具有鲜明的中国风格、中国气派。 
《红色娘子军》1964年首演,它是根据同名电影改编而成。讲述中国第二次革命时期的故事:受尽折磨的琼花,因不堪忍受地主南霸天的压迫,逃离虎口,巧遇红军党代表洪常青,经过他的引路,琼花参加了娘子军,历经磨练和考验,成长为卓越的革命战士。洪常青牺牲后,她接过红旗英勇向前。这部舞剧以震憾人心的悲壮情节,恢宏绚丽的场面,鲜明的人物形象以及海南岛的地域风情,从它诞生起,就赢得多方好评。它在芭蕾舞台上破天荒地塑造了英姿飒爽的“穿足尖鞋”的中国娘子军形象,将芭蕾的精华与中国的气派融为一体,为世界芭蕾舞坛增添了一朵奇葩。
由胡蓉蓉(1929~)、傅艾棣(1936~)、程玳辉(1932~)、林秧秧(1939~)创作的《白毛女》,与《红色娘子军》同期出台,平分秋色,它是中国芭蕾舞剧的又一成功探索。

《白毛女》1965年首演,作曲:严金萱;首演者:上海芭蕾舞团;它根据同名歌剧改编,讲述贫苦农民的女儿喜儿,被迫卖给恶霸地主黄世仁抵债,不堪凌辱,逃入深山。长年风餐露宿,头发变成了白色,不知情者称其为“白毛仙姑”——(鬼)。最后她被八路军所救,与年轻时的恋人——已是八路军战士的大春团聚。歌剧《白毛女》以“旧社会把人逼成鬼,新社会把鬼变成人”的真实故事,感动了中国千千万万的老百姓。这部芭蕾舞剧并未因循于原作——走捷径,而是根据芭蕾艺术特点,进行了再创造。它巧妙地运用了中国古典、民间舞的素材,以写实与浪漫相结合的方法将剧情予以芭蕾化的展现。对于剧中主要人物诸如:喜儿的纯真、甜美和变成“白毛女”后的坚韧、刚毅;大春的朴实、敦厚及参军后的英勇、干炼以及黄世仁的阴险毒辣……等都刻划得比较鲜明、生动。
芭蕾舞《白毛女》剧照图册
《红色娘子军》与《白毛女》,在中国芭蕾舞剧发展史上具有里程碑的作用。它们是“洋为中用”更深层次的实践,以其独有的中国特色自立于世界芭蕾艺术之林。集体智慧弥补了经验不足,使芭蕾中国化的探索,起点较高,起步很快。与其它舞蹈、舞剧作品的命运不同,这两部作品在“文革”中,被定为“样板戏”——是当时为数极少获准上演的两部舞剧。经受了时间与社会的检验,《红色娘子军》与《白毛女》依然葆有其艺术生命力。这两部作品都被确认为“20世纪经典”。文艺复苏期在芭蕾领域中的表现,首先是恢复西方芭蕾经典保留剧目的演出,使长期只见一红一白的广大观众,在久违多彩的芭蕾艺术之后,掀起了一阵《天鹅湖》的狂热。

新时期的中国芭蕾,展现出蓬勃发展的态势:首先是以更开放的眼光,面向世界广泛吸收、借鉴,而不只局限于单一的俄罗斯学派的影响。从80年代初,陆续有来自英、法、德、瑞士加拿大等国的著名芭蕾艺术家以友好交流的形式传授技艺。先后有芭蕾宿将安东·道林、著名芭蕾编导本·斯蒂文森(B•Stevenson)等在中央芭蕾舞团指导排练了他们自己的作品:纯古典风格的男、女《四人舞》(Te-pasde quixote)、《前奏曲》以及著名芭蕾艺术大师巴兰钦(Balanchine)的《小夜曲》(Serende)……等,其中大部分已成为该团经常上演的保留舞目。
此外,十多年间,中国陆续上演了多部不同风格的西方经典剧目,如:1980年,由巴黎歌剧院芭蕾大师莉塞特·桑瓦尔亲自指导,中央芭蕾舞团演出了法国浪漫主义的著名芭蕾舞剧《希尔维亚》 (Sylvia);1984年,由英国著名芭蕾艺术家贝琳达•赖特尤里沙·捷尔考夫妇重新排练演出了安东•道林版的《吉塞尔》;1985年,在世界级芭蕾艺术家鲁道夫·纽利耶夫(R•Nureyev)和芭蕾大师尤金·波里亚柯夫等亲自指导下演出了《唐•吉珂德》;还有《罗密欧与朱丽叶》(1989,罗曼•沃克执导)及《睡美人》 (1994,麦克米伦版,莫里可•帕克执导)……均很成功。特别是纽利耶夫以自己无以伦比的精湛技艺和对戏剧人物的深刻理解,结合中央芭蕾舞团的实际,进行了严格训练,大大促进了演员水平的提高——在中国芭蕾舞史上留下了珍贵的一页。在上述诸多国际交流活动中,戴爱莲起到了很好的桥梁作用。与此同时,北京舞蹈学院坚持学习与实践相结合的好传统,陆续上演了《葛蓓莉亚》(1979)、《舞姬》(1981);上海芭蕾舞团上演了《那波里》(又名《渔夫与新娘》)第3幕;天津歌舞剧院复演了《西班牙女儿》(1982);此外,于1981年组建的辽宁芭蕾舞团推出了《海侠》(1983)……这不仅丰富了群众的文化生活,而且经过世界各国芭蕾权威指导演出纯正的古典芭蕾名作,使新一代芭蕾舞人才迅速成长。

芭蕾舞 - 欣赏思路 

芭蕾舞芭蕾舞图册
欣赏芭蕾,大致上有两条思路。一条是传统的,一条是现代的。一般主张欣赏的方法与欣赏的对象相统一:即用一丝不苟的传统思路,去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾舞剧、音乐型芭蕾和纯粹型芭蕾。

传统的欣赏思路要求观众提前半小时左右到达剧场,以便能将日常生活中的琐事和烦恼,统统留在剧场的大门外或衣帽间那个尘世的空间里,然后静下心来,全身心地投入剧场这样一个非常特殊的,与马路上的拥挤、菜市上的吵闹、单位里的纠纷、家庭里的琐事毫不相干的审美场,进入《仙女》、《吉赛尔》、《葛蓓莉娅》这样一个人造仙境,进入《睡美人》、《胡桃夹子》、《天鹅湖》这样一个梦幻世界,一连几个小时逃避一下都市的喧嚣和精神的压力。然后用心地研究节目单,细读剧情梗概、有关评论、舞团简史、编导和舞者介绍等各种有关材料等等。

现代的欣赏思路对观众没有任何苛刻的要求,而是为其提供随遇而安的哲学,因为现代生活的节奏压根儿不允许观众,特别是有职业的观众提前半小时到达剧场,而是在欣赏的过程中强调观众无需任何先人之见,只需用随身携带、各不相同的理性知识来理解,用来自生活、五光十色的感性经验来参与即可。

现代欣赏思路甚至认为,节目单上的东西简直就是编导们设下的圈套,或者是为弥补舞剧编导或芭蕾编舞自身的语无伦次而兜售的灵丹妙药,可看可不看,甚至最好不看!剧情到底是怎么“写”无足轻重,成功与否只能看他台上怎么“舞”的。芭蕾舞剧说到底,还是以舞为主,以剧为辅的,否则,便无法解释芭蕾舞剧中的领衔主演们在跳完双人舞后,甚至在跳完其中的变奏后,便向观众频频施礼的现象。如果剧重于舞,这种行为岂不是出“戏”了,西方的观众和评论家们又怎能整整忍耐了一个世纪呢?现代派认为,明星可以欣赏,但用不着崇拜得五体投地,明星崇拜的风气实在显得太古典!按照自己的审美标准,而不是跟着评论家们的意见跑;寻找自己眼中和心里的明星,而不是随波逐流,这才是最最重要的。

芭蕾舞 - 角色 

芭蕾舞谭元元--独舞者图册
古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式,经由艺术总监编舞舞者灯光音响服装布景……专业的剧场工作人员密切配合,才能完整的呈现在观众面前。
如果对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识,观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成:
1、主角主角是故事核心人物,舞者需有一定水准以上的技巧与体力,最重要是要 有高超舞蹈素养及品格,才能诠释剧中的人物。 古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心,大都由男女主角担任,古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板,然后是男主角独舞,女主角独舞,最后才是终曲 (coda)双人快板,主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。
2、独舞者:具有主角技巧,而能单独或三、四人演出者。
3、群舞者:群舞者虽然舞步较简单,但复杂的画面变化,整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位,每一位群舞者均非常重要,只要有一人乱了脚步,整体的画面将被影响。
一、舞蹈形象: 以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象,技人体的姿态、造型,步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。具有可视性、流动性的审美性的特点,是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。
二、舞蹈表情:根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点,经过提炼和艺术加工,用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。除了与动作相协调的面部表情外,有节奏的动作、姿态、手势和造型,亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。
三、舞蹈动作:舞蹈艺术的基本表现手段。源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。主要包括:
1、单一动作,即以人体某一部位为主动,其他部位静止或随动的动作;
2、复合动作,指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作;
3、动作组合。一般指以训练舞蹈技巧为主要目的,有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速 度和幅度上的结合与变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。

芭蕾舞 - 肢体语言 

芭蕾舞芭蕾舞剧《珠宝》将在伦敦上演图册
所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。这些姿势是在18世纪创造的,是为了达到平衡并使脚显得优美。
传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。它包括:脚的5种基本位置、3种基本舞姿:如阿拉贝斯(arabesque)、阿提秋(attitude)和伊卡特(ecarte);腿部技巧:各种巴特芒(battements)--包括腿的伸展、打开以及ronddejambo(腿的划圆圈)等;各种幅度和舞姿的跳跃;各种旋转;击腿技巧;各种舞步和连接动作;女子的脚尖舞技巧;双人舞的扶持和托举等技巧;以及泼德布拉(portdebras)等。古典芭蕾的这些基本动作(元素),就像字母一样,编导运用这些字母写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用,把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情,创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。
脚部的五个基本位置:
第一位:两脚跟紧靠在一直线上,脚尖向外180度;
第二位:两脚跟相距一足的长度,脚部向外扭开,两足在一直线上;
第三位:两脚跟前后重叠放置,足尖向外张开;
第四位:两脚前后保持一足的距离,两足趾踵相对成两直线,腿向外转;
第五位:两脚前后重叠,两足趾踵互触,腿向外转;
手部基本位置:
1.瓦卡诺娃派(俄国派)
第一位:双手在正面的腹前成自然圆;
第二位:双手在旁侧伸,在视线范围内,手心向内;
第三位:双手上举在头上方的视线内;
2.却革底派(意大利派)
第一位:双手垂下成自然圆,手指轻触在大腿旁的位置;
第二位:双手在旁侧伸;
第三位:一手在身体前手心向内,另一手在旁侧伸;
第四位:一手在身体前与横隔膜保持相同的高度,然后同时上举在头的上方。
芭蕾压腿注意事项
       腿部柔韧性训练为四大腿功之一,是习舞者必修之功,如要专习腿法,则更需勤习之。进行腿部柔韧性训练可使腿部韧带、肌腱肌肉有很强的伸展性,同时也能增加髋、膝、踝关节的活动范围;在实战中可使腿法灵活多变 ,攻击范围广,能充分展示腿击的威力。

  在进行这方面的练习时,时常有初学者伤了韧带、肌腱,痛楚难忍,从而放弃了训练,终难成高手。究其原因,主要是没能真正领悟训练方法。

  腿部柔韧性训练方法很多,但总体来说可分为主动训练和被动训练两种。主动训练是习练者依靠自己的力量进行练习,具体方法有:压腿(正压腿、侧压腿、后压腿、仆步压腿);劈腿(横劈腿、竖劈腿);耗腿(正耗腿、侧耗腿、吻靴);踢腿(正踢腿、斜踢腿、侧踢腿、里合腿、外摆腿)等。被动训练是习练者在别人的帮助下或借助外力进行练习,具体方法有:搬腿(正搬腿、侧搬腿、后搬腿);吊腿(正吊腿、侧吊腿)。

芭蕾舞 - 舞衣 

芭蕾舞浪漫派芭蕾舞衣图册
一、古典式芭蕾舞衣
裙子的长度,不超过膝盖,是短式的,不过袖子有无袖的,长袖的,灯笼袖等;
1、纯白色古典芭蕾舞衣,例如《天鹅湖》中的白天鹅;
2、全黑或鲜红,前者例如《天鹅湖》中的黑天鹅;
3、灯笼袖配背心,例如《柯贝莉亚》第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚;
4、长袖配背心,以亮珠刺绣装饰之;
5、上下色彩不同的芭蕾舞衣,
二、浪漫派芭蕾舞衣
它的裙子几乎到脚踝附近,成吊钟型,有无袖的,灯笼袖的颜色有白色的,淡色的,淡紫色等。
1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣,例如《四人舞》《玫瑰花精》
2、扮妖精时,在手臂上或肩上加薄纱的衣饰例如《吉赛尔》第二幕,《仙女》舞剧
3、村姑式舞衣,背心加灯笼袖,腹部上面配上可爱的图案,例如《吉赛尔》第一幕,《柯贝莉亚》第一幕,《风流女儿》舞剧。

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